miércoles, 30 de enero de 2013

Crítica de: Madrid, 1987

Breve ficha:

Título original: Madrid, 1987

Título en castellano:  Madrid, 1987

Año: 2011


País: España

Dirección: David Trueba

Guion: David Trueba

Reparto: José Sacristán (Miguel) María Valverde (Ángela) Ramon Fontserè (Luis) 

Vista en: Versión original.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Miguel (José Sacristán), un veterano articulista, temido y respetado, y Ángela (María Valverde), una joven estudiante universitaria, se quedan encerrados en un baño público, situación que da pie a un enfrentamiento generacional. Ella se encontró, en los ochenta, con una democracia ya consolidada, mientras que él forma parte de los privilegiados que lo habían conseguido todo. 

Crítica: Obra maestra. Ya no solo por el magistral guion con el que cuenta, sino por la construcción de ambos protagonistas. Me ha encantado Miguel, porque a pesar de ser un periodista temido, que se quiere a sí mismo, que se cree el dueño del mundo, que tiene un carácter irritante y que desprecia a las personas que considera inferiores a él, sigue siendo un hombre, y como hombre es incapaz de controlar sus impulsos más primitivos cuando aparece ante él una mujer del calibre de Ángela. El conflicto generacional que surge entre ambos esta bastante desequilibrado, la voz cantante la lleva el personaje que interpreta Sacristán, pero Ángela sabe defenderse e incluso vencer por knock out en muchos momentos de la cinta. La puesta en escena es fantástica, en apenas dos localizaciones Trueba consigue narrar esta historia que cuenta con unas frases memorables, pero más que frases, hay gestos que hacen que esta cinta sea muy grande para mí. Si os habéis fijado, al principio, cuando Miguel le pide un sorbo de Coca-cola a Ángela, al coger el vaso bebe por el mismo sitio que lo ha hecho ella, un signo que nos indica que quiere catar a su presa, un signo que indica que a pesar de la experiencia y la diferencia de edad, a veces el pene puede más que la razón, la cinta esta llena de pequeños detalles como estos. Ambos actores trabajan muy bien, tal vez Sacristán, al llevar la voz cantante, se hace con la cinta, y a Valverde igual le pesa el aparecer casi toda la película nada más que con una toalla, pero su trabajo es muy decente. El croma final canta mucho, pero el resto de la cinta para mí es estupenda, no se me hizo pesada y disfruté con cada conversación. Me despido con una de las frases que más me ha gustado, tal vez porque con la edad uno va aprendiendo como funcionan las relaciones, sean esporádicas o muy duraderas. "En el fondo han dejado de interesarme los besos, ¿Sabes? Los besos son estupendos en la adolescencia, cuando dar uno es como escalar la cumbre de la montaña, pero luego saben a trámite, como rellenar una instancia, estas deseando firmar y pasar a otra cosa"

Crítica de: Navajeros

Breve ficha:

Título original: Navajeros

Título en castellano:  Navajeros

Año: 1980


País: España

Dirección: Eloy de la Iglesia

Guion: Eloy de la Iglesia, Gonzalo Goicoechea

Reparto: José Luis Manzano (El Jaro) Enrique San Francisco (El marqués) José Sacristán (Periodista) Isela Vega (Mercedes) Jaime Garza (El butano) 

Vista en: Versión original.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): José Manuel Gómez Perales, alias “El Jaro”, vive en Madrid con su banda y sus “novias”. Un día conoce a una prostituta de origen mexicano que se enamora de él y le ofrece su casa para apartarlo del mundo de la delincuencia. Jaro acepta el refugio, pero sigue dando golpes con su banda. Un día conoce a una adolescente drogadicta y se enamora de ella. 

Crítica: Debut cinematográfico del malogrado José Luis Manzano a las órdenes de Eloy de la Iglesia, uno de los miembros más selectos del club de los "cineastas malditos" españoles. Navajeros, considerada una de las obras mas emblemáticas del cine quinqui narra las vivencias de "El Jaro" y su banda, unos chorizos de barrio marginal que se ganan la vida pegando tirones, robando tiendas y haciéndole puentes a los coches. Al principio todo es diversión, pero poco a poco van aumentando tanto los palos como la envergadura de estos. Estos atracos son los que le dan mucho ritmo y dinamismo a la película, ya que hacen de el argumento algo muy atractivo, por lo que la película consigue atraparte desde el principio. La mayoría del reparto es amateur, por lo que tampoco se le puede exigir demasiado a las interpretaciones, no obstante la copia que yo vi (creo que la misma que todo el mundo ha visto) está doblada, cosa muy común en el cine de la época, por lo que tampoco se ve una interpretación pura. No obstante, según he leído, por lo visto algunos actores no sabían leer, por lo que no se doblan ellos mismos. Se notan las carencias técnicas de la época (el maquillaje final es de coña) aunque no cantan como en otras producciones. El guion tiene frases bastante emblemáticas, con expresiones muy quinquis que te hacen desplegar alguna sonrisa, y casi toda la banda sonora cuenta con temas muy buenos de la banda madrileña Burning. Momentazo cuando aparece por primera vez el carismático Pirri. Entretenida y con un mensaje estremecedor.

Crítica de: Amor

Breve ficha:

Título original: Amour

Título en castellano:  Amor

Año: 2012


País: Francia-Austria-Alemania

Dirección: Michael Haneke

Guion: Michael Haneke

Reparto: Jean-Louis Trintignant (Georges) Emmanuelle Riva (Anne) Isabelle Huppert (Eva)

Vista en: Doblada al castellano.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Georges y Anne, los ochenta cumplidos, son dos profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija también se dedica a la música, y vive en Londres con su marido británico. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo está paralizado. El amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.  

Crítica: El que se espere ver una drama sobre la vejez tipo El diario de Noah que se vaya olvidando. Amour no busca la lágrima fácil, Amour muestra el lado mas real y mas cruel de la vejez y de la enfermedad, Amour es un puñetazo al corazón que hace estremecer al espectador cada vez que aparece en pantalla Anne, cada día más demacrada y cada día menos capacitada para valerse por sí misma y para controlar su cuerpo. La construcción de los personajes es muy buena, ambos protagonistas llevan a buen puerto la película, muy bueno el personaje de Georges, pese a todo nunca pierde la serenidad, se mantiene firme como una roca a pesar de los golpes que le esta dando a la vida su mujer, y a pesar que la hija cuestione sus métodos a la hora de llevar a cabo el día a día, los toros se ven mejor desde la barrera. No obstante, la película carece de ritmo, Haneke se recrea demasiado en darle más longitud de la cuenta tanto a los planos como a las escenas, la cinta podría haber tenido un montaje final mucho mas dinámico. Como acción necesaria, decir que es imprescindible ver la película desde el principio y no empezada, de lo contrario el final es muy muy desconcertante y la película se vería desde una perspectiva totalmente diferente. No esta mal, pero no creo que sea la película definitiva sobre la vejez.

domingo, 27 de enero de 2013

Crítica de: El lado bueno de las cosas

Breve ficha:

Título original: Silver Linings Playbook

Título en castellano:  El lado bueno de las cosas

Año: 2012


País: Etados unidos

Dirección: David O. Russell

Guion: David O. Russell (Libro de Matthew Quick)

Reparto: Bradley Cooper (Pat) Jennifer Lawrence (Tiffany) Robert De Niro (Padre) Jacki Weaver (Dolores) Chris Tucker (Danny)

Vista en: Doblada al castellano.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas. 

Crítica: Estoy teniendo bastantes problemas para escribir esta crítica, puesto que no se por donde empezar, así que voy a intentar que fluyan las emociones que he sentido al verla y a ver que sale ¿os parece?
La construcción de los personajes es sublime, todo el elenco tiene un conflicto interno que le crispa y le estremece, pero del que por desgracia no se pueden separar, ya que ese conflicto es la base que les ayuda a vivir. Pat tiene episodios violentos y es bipolar, y todo eso sale a la luz tras una infidelidad, de la que sabemos poco ya que el realizador no se centra en contarnos el motivo por el que sucede, sino las consecuencias demoledoras que para Pat y su entorno tiene el acto de su mujer: un acto que crea un monstruo, que desata a la bestia, que hace que fluyan los sentimientos violentos más primitivos e innatos que todo ser humano posee, y tras esto aparece Tiffany, una joven viuda que ha perdido cualquier esperanza de ser feliz, que se vacía y se desnuda por dentro cada vez que conoce a alguien que pueda hacerle su vida mejor, su vida más llevadera, pero pocas veces su entrega recibe la respuesta adecuada o que espera, las expectativas nunca van parejas a la realidad. Este encuentro entre ambos construye una trama magistral, que te mantiene o bien con una lágrima en los ojos o bien con una sonrisa en la boca en cada plano, muchos de ellos magistrales (qué travelings avant más rápidos y descriptivos, por Dios). No solo hay que destacar la construcción del reparto, la película mantiene el ritmo, no se hace larga, fluye con mucha energía en cada escena, y todas ellas van de la mano con una banda sonora buenísima, temazos que estremecen y que se complementan a la perfección con cada fotograma (La escena del vídeo de la boda mientras se escucha what is and what should never be de los Led Zeppelin es de las mejores que he visto en mi vida, y la de la salida del restaurante, mientras el sonido se va fundiendo y da paso a My Cherie amour de Stevie Wonder, es salvaje, un puñetazo que te para el corazón durante varios segundos). Una historia de desamor, de búsqueda de uno mismo, de búsqueda de la felicidad, de arrepentimiento, de enmienda, de emociones, de la familia, de los sueños, de pérdida, de soledad, de amor...Una historia maravillosa que busca sacar siempre, como el título que se le ha dado en España a esta cinta, el lado bueno de las cosas. No os la perdáis. Imprescindible.

sábado, 26 de enero de 2013

Crítica de: Capitán Trueno y el Santo Grial

Breve ficha:

Título original: Capitán Trueno y el Santo Grial

Título en castellano:  Capitán Trueno y el Santo Grial

Año: 2011


País: España

Dirección: Antonio Hernández

Guion: Pau Vergara (Cómic de Víctor Mora)

Reparto: Sergio Peris-Mencheta (Capitán Trueno) Adrián Lamana (Crispín) Manuel Martínez (Goliath) Natasha Yarovenko (Sigrid)

Vista en: Versión original.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Durante la II Cruzada (1147-1149), el Capitán Trueno encuentra en las mazmorras de una fortaleza de Palestina a un cristiano moribundo llamado Juan de Ribera, que le encomienda la misión de llevarse a España un cáliz sagrado que según él es el Santo Grial, que fue robado a una orden religiosa milenaria. Trueno, sus inseparables amigos Crispín y Goliat y una princesa vikinga llamada Sigrid de Thule tendrán que hacer frente a un malvado señor feudal y a sus “diablos” negros, que tienen atemorizada a la población del bajo Aragón. 

Crítica: Tanta crítica negativa me ha hecho ver la película con el listón por los suelos, por lo que me esperaba algo mejor, pero me temo que estoy totalmente a favor de todas las críticas que he leído. Hay una buena producción, y creo que junto al vestuario y la escenografía es lo único que se podría salvar de la quema, pero es que el resto de película es un ejercicio de mal gusto. NINGUNA interpretación es buena, ¡NINGUNA! ¡No se salva nadie de la quema! Pero es que si tuviese que elegir entre las interpretaciones y el guion...no sabría. La historia es muy floja, hay cosas que no encajan (¿El bicho ese de donde aparece y por qué?) y las expresiones que se utilizan son tan moñas que hacen que te lleves las manos a la cabeza, pero más que con las expresiones, cuando uno lo flipa del todo es cuando ves los efectos especiales que se emplean ¿Se estrenó en 2011 pero se rodó en 1990? Porque no me creo que con tanta pasta se haga algo con tan poca calidad, por no hablar del atrezzo, el mazo de Goliath canta que es de plástico desde el primer plano general (Algunos planos se podrían salvar,  pero la fotografía no salva el conjunto de la película) Si la adaptación a los cómics es fiel, me temo que esta película va dirigida de lleno más que a un público nostálgico o de uno adolescente y adulto, a uno infantil.

Crítica de: La cena de los idiotas

Breve ficha:

Título original: Le dîner de cons

Título en castellano:  La cena de los idiotas

Año: 1998


País: Francia

Dirección: Francis Veber

Guion: Francis Veber

Reparto: Thierry Lhermitte (Pierre Brochant) Jacques Villeret (François Pignon) Francis Huster (Juste Leblanc)

Vista en: Doblada al castellano.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Para Pierre Brochant y sus amigos el miércoles es el día de los idiotas. La idea es simple: cada uno debe llevar consigo un idiota. El que consiga llevar a la cena el idiota más espectacular de todos es el ganador. Esa noche, Brochant está pletórico: ha encontrado una auténtica joya. Un idiota redomado. François Pignon, un chupatintas del Ministerio de Finanzas, es un hombre apasionado por sus construcciones hechas a base de cerillas. Lo que Brochant ignora es que Pignon es un auténtico gafe, un maestro en el arte de provocar catástrofes.


Crítica: Una corta duración, una puesta en escena que respeta el origen teatral de la obra, ya que toda la acción se desarrolla en un escenario, y todo el peso de la película que recae principalmente sobre dos actores. Con estas bazas Le dîner de cons se convirtió en una película con un tremendo éxito de crítica y de público, y no solo triunfó en Francia, consiguió una amplia distribución. A mí, personalmente no me ha gustado nada. Esta claro que el guion se adapta bien a los personajes, la construcción es buena, sobre todo la de François Pignon, pero a mí no me ha terminado de convencer, tal vez porque el planteamiento me ha parecido vulgar, cruel y ruin. Es cierto que ese planteamiento es la clave para que luego el destino se torne contra los creadores de la peculiar cena, pero me ha parecido vacía, no me ha transmitido y me ha aburrido, en ningún momento me sentí atraído por ninguno de los personajes. Final algo moña pero tal vez el punto más divertido. Quizás la vi con desgana o con cansancio, y de ahí mi mala valoración.

Crítica de: Hanna


Breve ficha:

Título original: Hanna

Título en castellano:  Hanna

Año: 2011


País: Estados Unidos

Dirección: Joe Wright

Guion: David Farr, Seth Lochhead, Joe Penhall, Joe Wright

Reparto: Saoirse Ronan (Hanna) Eric Bana (Erik Heller) Cate Blanchett (Marissa Wiegler)

Vista en: Doblada al castellano.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Hanna (Ronan) ha sido educada por su padre (Bana), un ex-agente de la CIA, en un remoto lugar de Finlandia. Es una chica que reúne todas las cualidades de un buen soldado. Su padre la envía a cumplir una misión clandestina, que la lleva al Norte de África y a Europa. Durante el viaje tendrá que zafarse de agentes y matones que obedecen las órdenes de una implacable espía (Cate Blanchett).

Crítica: La película cumple con lo que promete, ser una cinta de acción amena y que te mantiene en vilo durante toda la duración, no obstante creo que es un error ver esta cinta confiando en ver una obra maestra. Respeta los tópicos del género al que pertenece (joven es perseguida y no sabe el por qué, y mientras intenta descubrir el motivo irán saliendo a la luz trapos sucios y la intentarán matar vaya a donde vaya) La película tiene ritmo, entretiene, la producción es muy buena, la fotografía es bastante decente y cuenta con movimientos de cámara muy dinámicos, los títulos de crédito son muy atractivos, y la música (prácticamente íntegra de la banda The chemical brothers) es grandiosa (sobre todo el tema "The devil is in the beats"). No obstante, el guion es pobre, previsible, los personajes, quitando al protagonista, carecen de mucho interés, y el desenlace es algo tonto.

Crítica de: La pianista


Breve ficha:

Título original: La pianiste

Título en castellano:  La pianista

Año: 2001


País: Francia

Dirección: Michael Haneke

Guion: Michael Haneke (Novela de Elfriede Jelinek)

Reparto: Isabelle Huppert (Erika Kohut) Annie Girardot (Madre) Benoît Magimel (Walter Klemmer)

Vista en: Versión original.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Una mujer, profesora de piano en un conservatorio, frecuenta cines porno y tiendas de sexo para escapar de la influencia de su dominante madre. Uno de sus alumnos se propone seducirla.

Crítica: Haneke nos muestra en esta cinta una relación salvaje y violenta entre una profesora de piano y su posesiva madre. La pianista, es una maestra dura, recta, que exprime a sus alumnos para que sean perfectos al piano, y mientras no lo consigan será su peor crítica, pero una vez cerrada la tapa del piano nos muestra su lado más oscuro o más privado, ese lado anónimo que todo el mundo tiene y que celebra en la intimidad, solo que aquí Haneke nos brinda a una mujer que lleva al extremo sus instintos sexuales, y que los intentará poner en práctica a lo largo de la película. Es curioso el cóctel que forman estos dos mundos, el del piano (que nos muestra ese lado tan burgués y clásico) y el del sexo, no obstante esa fusión dará como resultado este ejercicio audiovisual que no deja indiferente a nadie y que te deja pegado a la pantalla durante las dos horas de duración. La construcción de los personajes es magistral, el elenco protagonista así como los escasos secundarios que salen encajan a la perfección, y los actores que los interpretan no solo saben defender a sus personajes, sino que los engrandecen (magistrales Girardot, Magimel y, sobre todo, Huppert). El guion no deja indiferente, tal vez porque sabe mostrar en pantalla deseos o intenciones sexuales que el espectador ni se plantea que puedan suceder o venir de una mujer como Erika Kohut, y plasma en pantalla escenas para el recuerdo (la de la bañera es salvaje, pero la del cine porno y la servilleta, o la del abrigo tampoco dejan indiferente, no solo por lo que representan, sino por lo que muestran del interior de la protagonista). Quizá algo larga o con una resolución del conflicto no muy convincente, pero eso no mancha el resultado global del film, que es impactante, grotesco pero a la vez hermoso. Magistral la música a piano.

jueves, 24 de enero de 2013

Crítica de: Impávido


Breve ficha:


Título original: Impávido

Título en castellano:  Impávido

Año: 2012

País: España

Dirección: Carlos Therón

Guion: Carlos Therón, Roberto Therón, Alfonso Aranda

Reparto: Julián Villagrán (Ray) Manolo Solo (Tena) Selu Nieto (Aarón) Nacho Vidal (Mikima) José Luis García Pérez (Dimas)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Ray, un hombre sin familia y adicto al juego, se dedica a robar coches y por amor acabará en la cárcel. 

Crítica: Grata sorpresa la que me he llevado con la cinta de Therón, tal vez porque la he visto con unas expectativas bajas, pero lo cierto es que Impávido se sitúa como una película de referencia, junto a Carne de Neón, del cine español de "gansters" macarras. Se nota que la película, salvando las distancias, se esfuerza en ser una cinta rodada al más puro estilo Ritchie, pero ubicando la trama en España. Algunas veces pasándose de fantasiosa, pero no se aleja de lo que sería una banda mafiosa patria (al menos según lo que tengo entendido y lo que llega a los medios de comunicación). No tiene unas interpretaciones muy buenas, aunque Selu Nieto se hace con la película interpretando al genial Aarón, no obstante los personajes tienen una identidad que simpatiza rápido con el espectador. No tiene un guión deslumbrante, pero es muy divertido, y la trama puede ser excesivamente fantástica, pero entretiene, además el montaje tiene mucho ritmo y la música acompaña.

miércoles, 23 de enero de 2013

Crítica de: Donnie Darko

Breve ficha:

Título original: Donnie Darko

Título en castellano:  Donnie Darko

Año: 2001

País: Estados Unidos

Dirección: Richard Kelly

Guion: Richard Kelly

Reparto: Jake Gyllenhaal (Donnie Darko) Jena Malone (Gretchen Ross) Drew Barrymore (Karen Pomeroy) Patrick Swayze (Jim Cunningham) Noah Wyle (Prof. Kenneth Monnitoff)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Donnie es un chico americano dotado de gran inteligencia e imaginación. Tras escapar milagrosamente de una muerte casi segura, comienza a sufrir alucinaciones que lo llevan a actuar como nunca hubiera imaginado y a descubrir un mundo insólito a su alrededor. 

Crítica: Atípica, rara, extraña y con un toque psicótico que a veces da miedo, pues a pesar de todo esto, que puede confundir al espectador, Donnie Darko es una gran película. La historia es muy atractiva y el realizador la sabe llevar a buen puerto con una construcción del personaje principal descomunal, tal vez uno de los personajes de ficción que más me ha llamado la atención últimamente, aunque tal vez la "perfección" en la construcción de este ha hecho que otros secundarios se descuiden (como los padres de Donnie, a mi juicio) el guion esta bien diseñado, funciona y mantiene el hilo, y la banda sonora esta llena de temazos tan autodestructivos como la personalidad de Donnie (Brutal cuando en la casa suenan los Joy Division). Puede que el desenlace no este a la altura de las circunstancias y decepcione, pero es un final aceptable. La recomiendo.