Crítica de: Los ilusos

Breve ficha:

Título original: Los ilusos

Título en castellano:  Los ilusos

Año: 2013

País: España

Dirección: Jonás Trueba

Guion: Jonás Trueba

Reparto: Francesco Carril, Aura Garrido, Luis Miguel Madrid.

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): "Los Ilusos" es una película sobre el deseo de hacer cine, o sobre lo que hacen algunos cineastas cuando no hacen cine; sobre perder el tiempo y el tiempo perdido; sobre conversaciones, borracheras, comidas y rutinas; sobre los paseos al salir del cine; sobre estar enamorado; sobre estar solo y estar con amigos, construyendo futuros recuerdos para una película futura."

Crítica: Buena producción, con aspectos muy cuidados y efectivos. La fotografía, maravillosa en blanco y negro, los movimientos de cámara, lentos y pausados, algunos especialmente mágicos (como la panorámica circular sin orden en la secuencia en la que la banda El Hijo interpreta Cabalgar, maravillosa, lo mejor de la cinta) junto con el guion, son tal vez lo mejor de la película, aunque la temática y la forma del montaje pueden despistar bastante al espectador. El hecho de hablar de gente que tiene inquietudes cinematográficas, y que aspira a poder vivir del cine, le da al filme un toque muy atractivo para los aquellos que aspiramos a dedicarnos algún día a este mundo, viendo en muchos momentos un fiel reflejo de lo difícil y de lo complicado que es poder sacar adelante un proyecto (Y más ahora, la parte de La muerte del cine no es si no una visión de aquello por lo que nos toca pasar, las salas van cerrando, las producciones van disminuyendo, y parece que esta máquina de crear va teniendo sus días contados, agoniza en España y nada ni nadie parece hacer nada por evitarlo, y el problema es que los que queremos hacerlo no tenemos ni dinero, ni recursos, ni apoyos, y ya casi ni ganas) Bien es cierto que aunque la película me ha gustado, en muchos momentos naufraga. El cineasta vuelve a dividir su producción en capítulos, sin que estos sigan un esquema aparente, lo que hace que haya partes en las que el hilo se sigue con facilidad y otras en la que hay bajones en la trama, que se pierde por completo de lo que parece ser el mensaje inicial, además, el montaje puede despistar bastante al espectador, ya que se ven planos con claquetas, con micrófonos, con voz del operador de cámara, pareciendo planos metidos sin ningún tipo de edición de postproducción (como si hubiesen metido el bruto directamente, obviamente no, pero puede dar esa sensación) y algunos planos en los que se experimenta con el sonido y con la iluminación (Particularmente, soy partidario de que el cine, por mucho que experimente, se debe escuchar y ver SIEMPRE, por lo que el uso de planos sin audio, con el audio desfasado o con oscuridad total no lo veo efectivo, y no creo que se use de una manera acertada en la película). No es mala, pero creo que hay que verla con una visión distinta a la habitual, ya que no es comercial, pero tampoco es experimental. Lo mejor de lo mejor, el uso de un texto del fallecido Chusé Izuel.

Crítica de: La caza

Breve ficha:

Título original: Jagten (the hunt)

Título en castellano:  La caza.

Año: 2012

País: Dinamarca

Dirección: Thomas Vinterberg

Guion: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm

Reparto: Mads Mikkelsen (Lucas) Thomas Bo Larsen (Theo) Annika Wedderkopp (Klara)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Tras un divorcio difícil, Lucas, de cuarenta años, ha encontrado una nueva novia, un nuevo trabajo y se dispone a reconstruir su relación con Marcus, su hijo adolescente. Pero algo va mal. Un detalle. Un comentario inocente. Una mentira fortuita. Y mientras la nieve comienza a caer y las luces de Navidad se iluminan, la mentira se extiende como un virus invisible. El estupor y la desconfianza se propagan y la pequeña comunidad se sumerge en la historia colectiva, obligando a Lucas a luchar por salvar su vida y su dignidad.  

Crítica: Demoledora. Un golpe helado que te deja tieso en la butaca, con el corazón en un puño y la mano tapando la boca evitando que se escapen los suspiros que atormentan al espectador a media que va avanzando el metraje. La película no solo parte de una idea que está en boga hoy en día (Se ha pasado de pasar de los niños a sobreprotegerlos en extremo, sin que haya habido una transición que haya conseguido suavizar este paso. Ojo, no justifico que no se les proteja, al contrario, lo más inocentes y aquellos que no se pueden defender necesitan estar bajo la mirada de adultos responsables dispuestos a cuidarlos, no obstante creo que no exagero si digo que hay casos que se llevan al extremo, y no hablo de abusos, hablo de perder la custodia de un hijo porque se ha hecho una brecha al caerse de un columpio) sino que funciona como un auténtico reloj suizo, en la que toda la maquinaria está bien engrasada y se complementa a la perfección ¿Quién tiene la culpa? ¿La niña, que se siente rechazada cuando su héroe al que admira y tiene en un pedestal la regaña con suavidad? ¿O el comentario bobalicón, grotesco y totalmente fuera de lugar del amigo de su hermano? ¿Por qué si creemos a los niños desde el minuto uno, cuando rectifican ya no les creemos? Todas estas preguntas sacuden al personal que contempla desde la butaca como, a pesar de la falta de pruebas, y a pesar de ser totalmente conscientes de la inocencia del protagonista, un hombre puede ser destruido no solo con golpes, también con miradas, con gestos, con desprecios. Vinterberg lleva a muy buen puerto la cinta, que no decae en ningún momento, ya que desde el inicio sabemos lo que pasa y hasta el final seguimos el triste camino por el que va descendiendo Lucas, interpretado de una manera magistral no, lo siguiente, por Mikkelsen (Sí, es el malo de Casino Royale). Un desarrollo conmovedor, en el que vemos como el enemigo invisible machaca una y otra vez no solo el alma y la inocencia de un adulto, sino todo su entorno. El poder de una mentira se ve reflejado en esta película de una manera sensacional, y mantiene el pulso narrativo firme y con seguridad, acompañado de unas interpretaciones muy veraces (Mikkelsen está de lágrima, pero el trabajo con los niños es muy bueno, ya no solo por el hijo de Lucas, sino por el de Klara, sensacional trabajo el de la pequeña) consiguiendo dejar para el recuerdo escenas con una intensidad narrativa muy elevadas, como la de la iglesia o el supermercado. Montaje al corte tan radical y directo como los desprecios con los que vive el protagonista, y cuando la película parece estar finalizando se nos regala un final grotesco, que te hacen ver que por desgracia, la realidad supera a la ficción. Muy muy buena.

Crítica de: Todas las canciones hablan de mí.

Breve ficha:

Título original: Todas las canciones hablan de mí

Título en castellano:  Todas las canciones hablan de mí

Año: 2010

País: España

Dirección: Jonás Trueba

Guion: Jonás Trueba, Daniel Rodríguez Gascón

Reparto: Oriol Vila (Ramiro) Bárbara Lennie (Andrea) Ramon Fontserè (Luismi) Bruno Bergonzini (Lucas)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Película que gira en torno al tema del amor, pero esta vez bajo la premisa de un chico que trata de olvidar a chica, en una historia bastante más difícil de sobrellevar, sobre todo cuando la chica de la que te acabas de separar vuelve una y otra vez en cada uno de los recuerdos de tu vida pasada y tienes la sensación, como dice Jonás, que "todas las canciones de amor hablan de ti"

Crítica: Tal vez ha sido la nostalgia, o tal vez no haber conseguido olvidar, o tal vez es, como dice la maravillosa canción de Bola de nieve, que me duelen todavía las heridas de su amor. Tal vez vivir una historia similar a la de Ramiro hace que una gran cantidad de sentimientos contradictorios, de amor y de odio, de celos y de esperanza, de alegría y de recuerdo, de autoengaños o de poner tierra de por medio para olvidar hacen ver esta cinta desde otra perspectiva. Hace un par de años me pareció brillante, pero ahora me parece sublime, salvaje, una obra maestra. Pocas veces creo que se ha reflejado en el cine, o al menos en el cine español, como se siente una pareja que acaba de dejarlo, como se mezclan tantas cosas, como se complica todo. La cinta es cierto que puede derrochar en mucho momento lírica que suena a paja de relleno, o incluso que puede parecer pedante a ojos de muchos espectadores, pero la química que hay entre ambos actores, la manera tan fácil de transmitir sentimientos tan difíciles y complejos son la baza que engrandece de manera notoria a la ópera prima de Jonás Trueba. La cinta se divide en capítulos, siendo el primero (momentazo en el portal, cuando entra la música tras el desliz) y el último sublimes, teniendo entre medias capítulos de transición que ayudan mucho más a mostrar en camino que sigue Ramiro para intentar olvidar y empezar de nuevo (brutal cuando habla con su antigua compañera de carrera y al mencionarle a Andrea, ésta, interpretada por Lennie, aparece justo a su lado, una manera muy veraz de ejemplificar como te viene a la mente una persona a la que has amado cuando te la recuerdan, y como la tienes ahí perenne, aunque te autoengañes y engañes a la gente diciendo que la has olvidado, y todo esto previo al paseo antes de llegar al parque, en el que Ramiro se miente así mismo intentando mostrar que Andrea no era para él, y en el que volvemos a ver a Lennie a su lado, sabiendo que él miente, que él se engaña, y que no está haciendo otra cosa que usar un placebo para parchear sus heridas). Tal vez el personaje que interpreta Miriam Giovanelli está metido un poco con calzador, y puede que la película casi al final hubiese tenido un poco más de ritmo con un uso menor de este, cosa que no le falta, y eso que se abusa de los planos largos y de los planos secuencia, lo que hace que este producto tenga una atmósfera mágica, con una cuidada puesta en escena, una bella escenografía, y unas interpretaciones muy veraces, divertidas y entrañables. Muy buena banda sonora, y muy buen final, magnífico, maravilloso.  Solo puedo recomendarla, sobre todo si tuvisteis pareja larga y la relación se terminó, y solo puedo darle las gracias a Jonás Trueba por enseñarme, como yo sospechaba, que todas las canciones hablan de mí.

Crítica de: El club de la lucha

Breve ficha:

Título original: Fight club

Título en castellano:  El club de la lucha.

Año: 1999

País: Estados Unidos

Dirección: David Fincher

Guion: Jim Uhls (Adapta la novela de Chuck Palahniuk)

Reparto: Edward Norton (narrador), Brad Pitt (Tyler Durden) Helena Bonham Carter (Marla Singer)

Vista en: Doblada al castellano.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Un joven sin ilusiones lucha contra su insomnio, consecuencia quizás de su hastío por su gris y rutinaria vida. En un viaje en avión conoce a Tyler Durden, un carismático vendedor de jabón que sostiene una filosofía muy particular: el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; en cambio, la autodestrucción es lo único que hace que realmente la vida merezca la pena. Ambos deciden entonces formar un club secreto de lucha donde descargar sus frustaciones y su ira que tendrá un éxito arrollador.  

Crítica: Película de culto que marcó no solo a toda una generación, también a la mía, que venía detrás, que veía como le imponían un sistema educativo que era una puta mierda, que veía como la generación que le precedía era mucho más insolente y mimada que la suya, que conseguía todo con gritos y llantos y que estaba sobreprotegida por los padres, que preferían regalarles un móvil o una consola a sus hijos antes que jugar con ellos, una generación sin moral ni respeto hacia los mayores. Pero no todo termina aquí, mi generación también veía como a la que antecedían era la última que iba a salir hacia delante, no sin dificultad, ya que más de la mitad se fueron a la mierda cuando se desmoronó en sistema financiero, lo que hace que, como dice Tyler, "estemos muy cabreados". Con este percal, en el que todo o casi todo invita a la autodestrucción, es imposible no sentir cierta atracción hacia esta cinta, que adapta una novela del polémico escritor norteamericano Palahniuk, cuyos relatos, os aseguro, no son aptos para todo el mundo. Está claro que hay que ver la película y analizarla como un canto a la autodestrucción, como una crítica al sistema financiero, al consumismo, al borreguismo, y a la sociedad, llena de odio y mentiras, y hay que tener muy claro que la historia es una trama de ficción pura y dura (en Europa no lo sé, pero en Estados Unidos fijo que ha habido más de uno que ha querido ser o se ha creído Tyler Durden, lo cual no es bueno, sobre todo si es un perturbado el que se lo imagina). Tal vez el éxito o la fascinación que se siente por esta cinta radica en esas críticas y en los mensajes que ofrecen, en el poder de atracción de Durden (es muy difícil no afirmar que tiene razón cuando habla, haciéndonos a nosotros reflexionar y autocriticarnos sobre lo que somos, lo que hacemos y lo que compramos)  y en el guion, lleno de frases memorables que pasarán a la historia del cine. ("Todo saldrá bien. Me has conocido en un momento extraño de mi vida." "Veo mucho potencial, pero está desperdiciado. Toda una generación trabajando en gasolineras, sirviendo mesas o siendo esclavos oficinistas. La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierdas que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión, nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra Gran depresión, es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock, pero no lo seremos, y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados." "Sentía ganas de meterle una bala entre los ojos a cualquiera que se negara a follar para salvar su especie. Quería abrir las válvulas de descarga rápida de todos los petroleros y cubrir de crudo todas esas magníficas playas que yo jamás conocería. Quería respirar humo." "Y entonces ocurrió algo. Me solté, me sumí en el olvido, oscuro, silencioso y completo. Encontré la libertad. Al perder la esperanza hallé la libertad.") No obstante la trama, que empieza prometiendo, se torna muy turbia y algo compleja cuando se mete el terrorismo de por medio, haciendo perder la aparente credibilidad que la ficción puede llegar a ofrecer, aunque estos actos hay que tomárselos como una metáfora, en la que se nos invita a juzgar hasta donde son capaces de llegar las personas cuando se les enseña y se les impone unas ideas que se le venden como verdaderas y fascinantes. Ofrece una ficción muy atractiva, con mucho ritmo y que entretiene bastante. Invita a reflexionar, saca a relucir el lado más oscuro y misántropo que todo humano puede poseer y termina con un temazo de los Pixies. Tal vez no todo el mundo la entienda o no la interprete de la manera adecuada, o al menos de la manera a lo que yo he interpretado este notable ejercicio cinematográfico.

Crítica de: Tesis

Breve ficha:

Título original: Tesis

Título en castellano:  Tesis

Año: 1996

País: España

Dirección: Alejandro Amenábar

Guion: Alejandro Amenábar

Reparto: Ana Torrent (Ángela) Fele Martínez (Chema) Eduardo Noriega (Bosco)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Ángela, estudiante de Imagen, está preparando una tesis sobre la violencia audiovisual. Como complemento a su trabajo, su director de tesis se compromete a buscar en la videoteca de la facultad material para ella, pero al día siguiente es hallado muerto. Ángela conoce a Chema, un compañero experto en cine gore y pornográfico, y a Bosco, un extraño chico, amigo íntimo de una joven asesinada en una snuff movie. 

Crítica: El cine español todavía estaba patas arriba tras "El día de la bestia", (una de las películas claves para definir el cambio de rumbo del cine español, que seguía explotando hasta la saciedad los triángulos amorosos, la guerra civil y las drogas) cuando apareció un joven de veinticuatro años dispuesto a seguir revolucionando nuestro cine, regalándonos una gran cinta, con una temática totalmente novedosa, poco conocida y nada explotada en España. La película sabe mantener la tensión narrativa en todo momento, mostrándonos a dos estudiantes muy distintos, uno algo macabro con unas aficiones bastante bizarras (genial Fele Martínez) y una muy responsable que prepara su tesis sobre la violencia en los medios de comunicación (Sensacional Torrent, aunque fue la única que no se llevó el Goya, ya que la cinta de Amenábar se llevó siete de ocho) entre ambos habrá una química muy interesante, ya que ambos emprenderán una búsqueda sobre un crimen sin resolver del que nadie sabe nada...aparentemente. La cinta consigue llevar la trama a buen puerto, sabe mantener el ritmo en casi todo momento, ya que hay una historia pasional que creo que se ha metido un poco con calzador, aunque funciona bien, pero no tanto como el resto de la cinta, que se hace más grande cada vez que aparece Chema en pantalla. EL guion es bastante bueno, cuenta con secuencias muy impactantes (como aquella en la que Chema y Ángela recorren los pasillos de la facultad iluminados solo por la luz de las cerillas) y con frases memorables (Estás muy buena, pero no es mérito tuyo). Indispensable para cualquier amante del cine de intriga y del cine español.

Crítica de: United

Breve ficha:

Título original: United

Título en castellano:  United

Año: 2011

País: Reino Unido

Dirección: James Strong

Guion: Chris Chibnall

Reparto: David Tennant (Jimmy Murphy)  Jack O'Connell (Bobby Charlton) Dougray Scott (Matt Busby) Sam Claflin (Duncan Edwards)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): United está basada en la historia real de los legendarios "Busby babes" del Manchester United, el equipo más joven en ganar la liga inglesa y tristes protagonistas del fatal accidente de avión de Múnich que se cobró la vida de ocho futbolistas. La película se basa en entrevistas con los supervivientes y sus familias para contar una historia inspiradora, de un equipo y su comunidad para superar la terrible tragedia. 

Crítica: Excelente telefilme que nos describe de una manera muy cercana como y quienes eran los Busty babes, unos muchachos que revolucionaron el mundo del fútbol y que consolidaron al Manchester United como uno de los equipos más fuertes, históricos y legendarios de la historia del fútbol, así como la tragedia que sacudió al club y que se llevó por delante la vida de veintitrés personas, entre ellas las de siete jugadores. La película busca lo emotivo, y muestra el lado más humano y de los jugadores, valorando el compañerismo y la felicidad que había en el vestuario, y todo ello contado a través de un joven que estaba destinado a convertirse en un icono del fútbol británico así como del Manchester, el legendario Bobby Charlton. Destaca de esta cinta la construcción de los personajes, amantes de fútbol y con las ideas claras, siendo tal vez el que interpreta Tennant el que más fuerza tiene, ya que el personaje de Busby puede ser algo rudo, Charlton a veces un poco insolente y Edwards parecer en la cinta demasiado iconizado, no obstante este último estaba considerado una de las promesas más emergentes del Reino Unido, y el mismo Bobby Charlton afirmaba que el único jugador al que nunca podría hacerle competencia era a Edwards, no obstante esta "sobrevaloración" en la ficción engrandece la leyenda, y nos enseña datos desconocidos del malogrado futbolista, al igual que nos invita a reflexionar sobre valorar lo más preciado que tenemos, porque en lo que dura un chasquido se puede poner fin a una vida llena de ilusiones y grandes objetivos. El producto tiene un buen acabado, ya que no solo nos muestra la tragedia del club, también la capacidad para superar algo tan terrible, por lo que tira de épica y de deporte hace de la cinta algo muy interesante. Lo peor, tal vez, es que al mostrar una historia real, y describirla de una manera tan gráfica y veraz, no hay lugar para la sorpresa, pues se conoce de antemano qué pasa con el vuelo, quien sobrevive, quien muere y que fue del Manchester tras el accidente, por lo que recomiendo no buscar información sobre la tragedia antes de ver la cinta, tal vez así resulte mucho más emotiva y se haga mucho más dramática la tragedia desde el punto de vista de una película de ficción adaptada.

Crítica de: ¿Qué fue de Jorge Sanz?

Breve ficha:

Título original: ¿Qué fue de Jorge Sanz?

Título en castellano:  ¿Qué fue de Jorge Sanz?

Año: 2010

País: España

Dirección: David Trueba

Guion: David Trueba, Jorge Sanz

Reparto: Jorge Sanz (Jorge Sanz) Eduardo Antuña (Amadeo) 

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Miniserie de TV de 6 episodios sobre la vida actual de Jorge Sanz en clave de parodia.

Crítica: Tal vez la mejor manera de hacer humor, o la mejor manera de expresar humor, es reírse de uno mismo, y eso hace Jorge Sanz de la mano de David Trueba en esta miniserie. Magnífica tragicomedia en la que vemos el día a día de Jorge Sanz, un mito del cine español venido a menos que no pasa por su mejor momento, que se ve en la necesidad de aceptar papeles que no son de su gusto, que las pasa canutas para llegar a fin de mes, y que lleva un estilo de vida bastante desordenado. La serie no solo cuenta con momentos de humor, ya que es una serie que, en cierta medida, invita a la reflexión, y que está llena de momentos trágicos y tristes, que te hacen sentir más que risa, cierta compasión hacia su protagonista. La construcción de los personajes no está muy trabajada ya que prácticamente Jorge se interpreta así mismo, así como el resto de actores que hacen cameos, que interpretan un papel pequeño pero divertido, tal vez haciendo resaltar los tópicos que en la vida real les han perseguido, aunque la palma se la lleva el genial Antuña interpretando a Amadeo, el nuevo representante de Jorge, que está aprendiendo ya que antes trabajaba en una fábrica de quesos, y que es un personaje entrañable y que se hace con cada escena en la que aparece. Algunos capítulos más flojos que otros, pero en general es un buen producto, con una factura algo amateur, pero que le da un toque de veracidad que le hace ganar mucho. Genial la canción de entrada y salida de cada capítulo.

Crítica de: Searching for Sugar Man

Breve ficha:

Título original: Searching for Sugar Man

Título en castellano:  Searching for Sugar Man

Año: 2012

País: Suecia

Dirección: Malik Bendjelloul

Guion: Malik Bendjelloul

Reparto: Sixto Rodríguez, Stephen 'Sugar' Segerman,  Dennis Coffey, Mike Theodore.

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): A finales de los años 60, un misterioso músico fue descubierto en un bar de Detroit por dos productores que quedaron prendados de sus melodías conmovedoras y de sus letras proféticas. Grabaron dos discos que ellos creían que situarían al artista como uno de los más grandes de su generación. Sin embargo, el éxito nunca llegó. De hecho, el cantante desapareció en la oscuridad en medio de rumores sobre su horripilante suicidio encima del escenario. Mientras la figura del artista se perdía en el olvido, uno de sus vinilos llegó a la Sudáfrica del Apartheid, multiplicándose por todo el país en grabaciones piratas, y durante las dos siguientes décadas Rodríguez se fue convirtiendo en un fenómeno, en un icono de la libertad y el "anti-establishment". Mucho tiempo después, dos fans sudafricanos se empeñaron en averiguar qué pasó realmente con su héroe. Su investigación los condujo a una historia aún más extraordinaria sobre el mito del artista conocido como "Rodríguez". Esta es una película sobre la esperanza, la inspiración y el poder de la música. 

Crítica: Una vez más, el cine me da una lección de sinceridad, de arte, de belleza, de esperanza, de alegría, de sueños, de sonrisas, de lágrimas, de emociones, de magia. Una vez más el cine me hace creer en el ser humano, y me hace tener más fe en él. El cine ha entrado por mis ojos para quedarse en mi memoria de por vida, y regalarme un artista único e irrepetible, un artista que fue y no fue, un perro callejero que era un Dios sin saberlo, un maestro que renace de sus cenizas, supuestamente esparcidas en el escenario en el que se suicidó a lo bonzo, y cual ave Fénix ha vuelto años después en forma de canciones. He llegado a casa con una sonrisa perenne que me ha hecho sentirme FELIZ, de lo que soy, de lo que hago y sobre todo, de lo que amo. Una historia atípica muy bella, poesía pura, magia pura, una película que confirma con creces que el cine es un medio de expresión, es un arte, y sobre todo un arte que va ligado estrechamente otro arte tal vez igual de grande, la música. Una ecuación perfecta que merece ser respetada, vista y,  sobretodo, recordada. Un 10 en toda regla.

Was it a huntsman or a player
That made you pay the cost
That now assumes relaxed positions 
And prostitutes your loss? 

IMPRESIONANTE.