Crítica de: Zombies party

Breve ficha:

Título original: Shaun of the Dead

Título en castellano:  Zombies party (una noche... de muerte)

Año: 2004

País: Reino Unido

Dirección: Edgar Wright

Guion: Edgar Wright, Simon Pegg

Reparto: Simon Pegg (Shaun) Nick Frost (Ed) Kate Ashfield (lid)

Vista en: Doblada al castellano.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Una comedia romántica... con zombies. La vida de Shaun (Simon Pegg) es un callejón sin salida. Se pasa la vida en la taberna local, "The Winchester", con su íntimo amigo Ed (Nick Frost), discute con su madre y descuida a su novia, Liz (Kate Ashfield). Cuando Liz le deja plantado, Shaun decide, finalmente, poner su vida en orden: tiene que reconquistar el corazón de su novia, mejorar las relaciones con su madre y enfrentarse a las responsabilidades de un adulto. Pero, por desgracia, los muertos están volviendo a la vida, y tratan de devorar a los vivos. Así que Shaun tendrá que enfrentarse a un problema más. Armado con un palo de cricket y una pala, emprende una guerra sin cuartel contra una horda de zombies para rescatar a su madre, a su novia e incluso, aunque a regañadientes, a su padrastro, al de su novia... llevándolos a todos al lugar más seguro y protegido que conoce: "The Winchester".

Crítica: Ingeniosa y divertida. Wright le da por completo al habitual género zombie un giro radical para hacer una comedia en la que mezcla con éxito muertos vivientes y amor. La construcción de los personajes podría haber estado mejor definida, ya que salvo el protagonista, el resto del elenco tiene unos personajes que no tienen tanto gancho (El de Frost en ocasiones llega a ser extremadamente irritante). Tal vez la parte del pub se puede hacer algo lenta, pero la película tiene un buen ritmo y la duración adecuada. El conflicto se resuelve de una manera divertida y la película contiene dardos a la sociedad muy bien tirados, y buenos guiños musicales, aunque la banda sonora a mi juicio no es la mejor baza de esta cinta. Geniales los momentos en los que se ven imágenes en el televisor.

Crítica de: Pulgasari

Breve ficha:

Título original: Pulgasari

Título en castellano:  Pulgasari

Año: 1985

País: Corea del Norte

Dirección: Chong Gon Jo, Shin Sang-ok

Guion: Se Ryun Kim

Reparto: Chang Son Hui (Ami) Ham Gi Sop (Inde) Gwon Ri (Taksae)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Basada en una leyenda del siglo XIV y muy influenciada por las películas de Godzilla, Pulgasari trata la historia de un herrero que, encarcelado por un malvado rey que oprime a su pueblo, crea un muñeco de arroz y tierra que al caerle accidentalmente una gota de sangre de su hija, cobra vida y empieza a crecer a medida que come acero. Cuando consigue un tamaño considerable liderará una revolución junto a los campesinos en contra del malvado rey.

Crítica: Curiosa, cuanto menos, esta producción norcoreana, de las pocas que han sido estrenadas fuera de Corea del Norte y que se pueden encontrar, no sin dificultad. Dado que la industria cinematográfica del país era inexistente o desconocida para la mayoría del gran público, creía que iba a ver una película mala tanto técnicamente como artísticamente, pero la verdad es que me he llevado una sorpresa. Hay efectos especiales muy cutres y se nota que dentro de Pulgasari va un hombre, se nota a kilómetros, pero la puesta en escena esta muy conseguida, el vestuario acorde con la época y muy elaborado, las batallas se resuelven con éxito y un estilo más que decente, el reparto no trabaja mal del todo ya que no se ven actuaciones forzadas y la historia tiene fuerza y esta llevaba a buen puerto. 

Crítica de: Solo contra todos

Breve ficha:

Título original: Seul contre tous

Título en castellano:  Solo contra todos

Año: 1998

País: Francia

Dirección: Gaspar Noé

Guion: Gaspar Noé

Reparto: Philippe Nahon (El carnicero)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Francia, 1980. Un carnicero (Philippe Nahon) vive solo con su hija tras ser abandonado por su mujer. Un día la niña tiene su primera regla y corre hasta la carnicería de su padre que, al ver la sangre, cree que la pequeña ha sido violada. El carnicero sale enfurecido de la tienda y acaba agrediendo a un inocente. La niña es internada y él encerrado en prisión... 

Crítica: Una buena muestra del talento que tienen los directores franceses y de la independencia que tienen para hacer lo que quieren y hacerlo bien, sorprendiendo y dejando películas para el recuerdo, y Seul contre tous es una de ellas. Aparte de su soberbio montaje, con ese choque de planos en el que un golpe de audio te mantiene inmerso en el ejercicio de autodestrucción al que se somete el carnicero, interpretado de una manera sublime por Nahon, la película cuenta con muy buen guion, lleno de reflexiones negativas y misántropas, aunque es cierto que a veces ahoga y el espectador se puede perder entre tanta lírica, no obstante siempre aparece alguna frase deslumbrante para seguir manteniéndote expectante durante la escasa hora y media que dura. A veces se hace algo lenta, se queda esa sensación, parece que todo puede ir mas rápido o mas agilizado, y tal vez esa es la única pega que le pongo a esta cinta, pues tenía la sensación de llevar una hora de película cuando en realidad llevaba menos de 40, pero merece la pena ser vista, aunque advierto que la película es cruda, negativa y su personaje detestable para la sociedad, pero ahí es donde nace la grandeza de este ejercicio cinematográfico.

Crítica de: El muerto y ser feliz

Breve ficha:

Título original: El muerto y ser feliz

Título en castellano:  El muerto y ser feliz

Año: 2012

País: España

Dirección: Javier Rebollo

Guion: Javier Rebollo, Lola Mayo, Salvador Roselli

Reparto: José Sacristán (Santos) Eoxana Blanco (Erika)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Cuando un asesino a sueldo español, ingresado en un hospital de Buenos Aires, se da cuenta de que está a punto de morir, se escapa y se dirige al norte atravesando todo el país. Huye por carreteras secundarias en una especie de tranquila peregrinación que tiene algo que ver con una moderna novela de caballerías. Una mujer que ha encontrado en la carretera será su escudero en este continuo avanzar huyendo de la muerte y corriendo, al mismo tiempo, hacia ella.

Crítica: Batacazo en toda regla. Salvo la fotografía y los movimientos de cámara, que son hermosos y realmente bellos, el resto pasa desapercibido. La película se apoya en una voz en off-omnisciente que no te permite navegar por la película cómodo, intentando descifrar el enigma que envuelve a la cinta, ya que te lleva en volandas a donde quiere y por donde quiere el director, llega a agobiar y a cansar tanta voz, describiendo lo que estamos viendo y violando la intimidad de los personajes, ya que nos adentra en su cabeza, restando mérito a lo que el espectador quiere interpretar o cree interpretar. No obstante, el poco ritmo que tiene la cinta se sostiene gracias a ella, su ausencia haría de "El muerto y ser feliz" un ladrillo de dimensiones bíblicas, ya que abundan planos tan largos como las carreteras secundarias argentinas. Sacristán se ha llevado mil premios por esta interpretación, pero ¿Realmente es para tanto? Ojo, es el protagonista y el verdadero artífice del éxito del film, porque si ha funcionado el boca-oído para que la gente vea la película ha sido gracias a él, que se mueve delante de la cámara como pez en el agua, brindándonos una gran lección de interpretación, pero gran, no magistral, me gustó muchísimo más en "Madrid 1987". El guion hace aguas por todos lados, no te deja las cosas claras, no marca un camino a seguir, no te plantea ningún conflicto que realmente implique a los personajes en buscar la solución, y si lo tiene yo no lo conseguí ver, no todos los espectadores estamos hechos de la misma materia. Flojita, muy flojita.

Crítica de: Las ventajas de ser un marginado

Breve ficha:

Título original: The Perks of Being a Wallflower

Título en castellano:  Las ventajas de ser un marginado

Año: 2012

País: Estados Unidos

Dirección: Stephen Chbosky

Guion: Stephen Chbosky

Reparto: Logan Lerman (Charlie) Ezra Miller (Patrick) Emma Watson (Sam)

Vista en: Doblada al castellano.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Charlie (Logan Lerman), un joven tímido y marginado, escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda asuntos como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que afrontar el primer amor (Emma Watson), el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental. Al mismo tiempo, lucha por encontrar un grupo de personas con las que pueda encajar y sentirse a gusto.

Crítica: Gran sorpresa la que nos llega del otro lado del charco. "The Perks of Being a Wallflower" es el salto al cine del guionista Stephen Chbosky, que hace película su novela, y para ello se rodea de grandes profesionales y firma una cinta agradable, entretenida, con un buen ritmo, una magistral fotografía, un buen vestuario, una puesta en escena original y bien cuidada y, sobre todo, unos personajes entrañables. La película fluye con naturalidad durante las casi dos horas que dura, sin tener altibajos notorios, y su éxito radica en la personalidad del protagonista, un chico algo atormentado que busca tener un mundo en el que se pueda adaptar. Lo mejor de esta cinta, junto a la citada anteriormente fotografía y la espectacular banda sonora, tal vez es la historia en si, ya que aborda temas muy universales en todos los adolescentes de una manera simpática, muy seria y nada obscena. Genial la escena del juego de atrevimiento o verdad y muy buen guion.

Crítica de: Año de Gracia

Breve ficha:

Título original: Any de Grácia

Título en castellano:  Año de Gracia

Año: 2011

País: España

Dirección: Ventura Pons

Guion: Ventura Pons, Jaume Cuspinera, Carme Morell

Reparto: Oriol Pla (David) Santi Millán (Pere) Rosa María Sardà (Gràcia)

Vista en: Doblada al castellano.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): En el barrio de Gracia, en Barcelona, una vieja malcarada comparte piso con un joven pueblerino e inconformista que lucha por encontrar un lugar al sol. La vieja ya ha renunciado a sus sueños, pero el joven los mantiene intactos. Y, a pesar de que viven en un enfrentamiento sin tregua, se necesitan. Humor, ternura, agilidad, unos vecinos estupendos, un barrio de gente joven, una chica muy guapa y una banda sonora potente. Y ganas de ver el lado positivo de la vida.

Crítica: Esperaba poco de la última aventura cinematográfica de Ventura Pons, pero lo cierto es que no me ha decepcionado para nada, de hecho me he llevado una sorpresa grata, tal vez porque la película derrocha simpatía y tal vez cierta familiaridad en las relaciones con las que se ve afectado el protagonista, un estudiante de pueblo que se quiere comer el mundo y que cuando llega a la ciudad, como a casi todos les pasa, se estrella de lleno con la dura realidad. La película tiene ritmo, un color en la fotografía que le da al barrio barcelonés de Gràcia un toque atrevido y agradable y un guion que derrocha situaciones divertidas y que contiene algunos diálogos ingeniosos y realistas. La relación que mantiene el protagonista con el resto del elenco (En especial con Pere, interpretado por Millán) es algo forzada, y el desenlace es algo grotesco y desentona en exceso con el resto del metraje que se ha visto, pero aceptable al fin y al cabo. Muy bien construido el personaje de Sardà. Buena banda sonora.

Crítica de: Arritmia (Guantanamero)

Breve ficha:

Título original: Arritmia (Guantanamero)

Título en castellano:  Arritmia (Guantanamero)

Año: 2007

País: España

Dirección: Vicente Peñarrocha

Guion: Vicente Peñarrocha, Philip Palmer

Reparto: Rupert Evans (Ali) Natalia Berveke (Manuela) Derek Jacobi (Guido)

Vista en: Doblada al castellano.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Ali es un prisionero árabe en Guantánamo que logra escapar de su condena en un sueño que le lleva a descubrir una ciudad completamente nueva para él. En su viaje Ali conocerá a Manuela, una bailarina cubana, ella le ayudará a conocer esa ciudad extraña pero estremecedoramente bella. Tras un grave acontecimiento, Ali saldrá de su sueño descubriendo que nada es lo que parece.

Crítica: Ni pies ni cabeza. Un comienzo desconcertante, no obstante a los pocos minutos el espectador se ubica en la historia, el problema es que se centra tanto en ser especialmente buena en la técnica (la fotografía es muy buena) que descuida por completo dos factores fundamentales: el desarrollo de la trama y de los personajes. El protagonista, un supuesto talibán, ¿Es capaz de cambiar de convicciones en tan poco tiempo o resulta que no son tan fanáticos como nos los venden? La trama se pierde entre las calles de una sucia ciudad que intuyo que es La Habana, y mientras más calles recorre más aburre, haciendo un abuso indiscriminado de los fundidos a negro, que hacen que el ritmo decaiga por completo a pesar de la corta duración de la cinta. Cuando parece que termina todo, hay un giro de guion bastante increíble, no obstante, es tan pesado lo que se ha visto anteriormente que ese giro le da un poco más de dinamismo a la cinta, y, a pesar de que desmorona por completo todo lo sucedido en la primera hora de metraje, le da más sentido a todo, por lo que la película remonta un poco en los últimos minutos, hasta que en el desenlace final todo se vuelve a torcer. Quitando la fotografía, que como dije antes, me parece bastante buena, el resto de la cinta creo que es fallida.

Crítica de: Colegas

Breve ficha:

Título original: Colegas

Título en castellano:  Colegas

Año: 1982

País: España

Dirección: Eloy de la Iglesia

Guion: Eloy de la Iglesia, Gonzalo Goicoechea

Reparto: José Luis Manzano (José) Antonio Flores (Antonio) Rosario Flores (Rosario) Enrique San Francisco (Rogelio) José Luis Fernández "El Pirri" (Pirri)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Los hemanos Antonio y Rosario y el novio de ésta, José, deben enfrentarse diariamente a las dificultades derivadas de su humilde condición social. Ninguno tiene trabajo y las escasas oportunidades que se les presentan para lograrlo hacen que se fortalezcan los lazos que les unen.

Crítica: Tal vez valoro la cinta de una manera negativa porque he visto varias películas de Eloy de la Iglesia seguidas y de manera no lineal, y por eso tengo la sensación de haber visto una y haber visto todas, ya que el malogrado cineasta explota el argumento hasta la saciedad sin innovar,  tanto técnica como artísticamente. José Luis y el Pirri, como siempre, magistrales interpretando unos papeles que le vienen como anillo al dedo, tal vez José Luis más flojito que en El Pico (Película que haría un año después) tanto Rosario como Antonio cumplen con sus papeles, siendo este último debutante en el cine. El guion no solo entretiene, sino que habla de temas que hoy en día están en boga (tráfico de niños, aborto, etc) por lo que en pocos momentos el ritmo se viene abajo. El problema son las carencias técnicas de la obra, el doblaje de audio es más que decepcionante, es una auténtica vergüenza, y no creo que sea justificable que los protagonistas al ser marginales no pronunciaban bien, porque el doblaje de los protagonistas es correcto, pero la adaptación de los diálogos...por favor. No obstante el resto de la producción se salva. No es mala, pero es más de lo mismo que hacía de la Iglesia.

Crítica de: Bodas de sangre

Breve ficha:

Título original: Bodas de sangre

Título en castellano:  Bodas de sangre

Año: 1981

País: España

Dirección: Carlos Saura

Guion: Carlos Saura (obra de Federico García Lorca)

Reparto: Antonio Gades (Leonardo) Cristina Hoyos (La novia) Juan Antonio Jiménez (El novio)

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): En un pueblo andaluz se celebra una boda. La novia sigue enamorada de su antiguo novio Leonardo. Una vez celebrada la ceremonia, se entrega pasionalmente a él y esa misma noche huyen juntos. El esposo abandonado los persigue y, cuando encuentra al amante de su mujer, lo desafía a un duelo con navajas en el que mueren los dos. La tragedia poética de Lorca, el sentido trágico de la vida, la muerte y la violencia que acompaña a los hombres durante toda su vida, se va manifestando a través de los presagios y el dolor de la madre, que ha perdido a su marido por un crimen y a uno de sus hijos por otro. Obtuvo el Premio de la crítica de Nueva York.  

Crítica: Saura inicia su trilogía del flamenco adaptando para el cine la puesta en escena que hizo el bailarín y coreógrafo Antonio Gades sobre la obra de teatro de Federico García Lorca "Bodas de sangre", y que estrenó en el año 1974 con el título "Crónica del suceso de bodas de sangre". La película se divide en tres partes, tal vez como tributo a los actos que suele haber en todas las obras de teatro, no obstante esto es una interpretación que yo hago. En la primera podemos ver una pequeña "entrevista" en la que Gades habla en voz en off mientras vemos como se preparan los actores-bailarines para entrar en acción, en la segunda un breve calentamiento en el que vemos como Gades prepara a los bailarines para la acción y en el tercero la representación de la obra. Lo interesante de este proyecto es que mantiene mucha tradición teatral, la película no es otra cosa que una filmación de un ensayo general de teatro (El ensayo general se hace con maquillaje y vestuario y no se para bajo ningún concepto, es tan importante como el estreno, solo que es sin público y, en este caso, en otra localización (no un teatro en si, si no un local habilitado)). Hay varias cagadas técnicas (hay un plano en el que casi se ve el brazo del pértiga, que mete el micro hasta el centro del plano casi) y a veces el ritmo se viene abajo a pesar de la corta duración de la cinta, ya que el realizador abusa de la longitud de los planos (totalmente justificada para hacer el seguimiento de la coreografía que ejecutan los bailarines) no obstante los movimientos de cámara están bien ejecutados y hacen un buen seguimiento. Es un ejercicio visual interesante que nos acerca mucho al teatro y que nos muestra una adaptación de la obra del genio granadino muy interesante, ya que a través del lenguaje corporal Gades y su cuadrilla expresan un amor prohibido.

Crítica de: Atún y chocolate

Breve ficha:

Título original: Atún y chocolate

Título en castellano:  Atún y chocolate

Año: 2004

País: España

Dirección: Pablo Carbonell

Guion: Pablo Carbonell

Reparto: Pablo Carbonell (Manuel) María Barranco (María) Pedro Reyes (El perra) Antonio Dechent (El cherif) 

Vista en: Versión original.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Tres pescadores barbateños, Manuel, El Perra y El Sheriff, amigos de toda la vida, intentan sobrevivir como pueden a pesar de la crisis pesquera que vive la costa gaditana. El hijo de uno de ellos, Manolín, llega un día a su casa con un problema más: quiere hacer la Primera Comunión. Sus padres, Manuel y María, no están casados y el niño no está bautizado. Ante la voluntad, casi mística, de Manolín, sus padres se ven obligados a poner un poco de orden en su vida. Pero el orden cuesta dinero.  

Crítica: Un buen debut en la dirección de Pablo Carbonell. Aunque algunas interpretaciones del reparto son muy pobres la película consigue entretener y, a pesar de tener tintes dramáticos muy cotidianos, divertir. El guion es ingenioso y parte de una idea interesante, además sabe desviar la trama con elegancia, ya que el conflicto inicial es la comunión del  hijo, hasta que estalla el conflicto principal, y para ello Manuel tendrá que ingeniárselas como buenamente pueda. Se nota el doblaje en algunos personajes (concretamente en el hijo de El perra) y el atrezzo final deja muchísimo que desear ya que canta a kilómetros que es falso, no obstante pasa desapercibido si se hace una valoración global de la obra. Lo mejor, la música, la canción inicial y la escena final, sobre todo por la espectacular canción de Javier Ruibal. No se pescan to los días atunes en el paraíso.