Crítica de: Shame

Breve ficha:

 Título original: Shame

Título en castellano: Shame

Año: 2011

País: Reino Unido

Dirección: Steve McQueen

Guión: Steve McQueen, Abi Morgan 

Reparto: Michael Fassbender (Brandon) Carey Mulligan (Sissy)

Vista en: Doblada al castellano.



Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Brandon (Michael Fassbender) es un treintañero neoyorquino con serios problemas para controlar y disfrutar de su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y manteniendo contactos con solteras de Manhattan... 

Crítica: Shame no solo es una película necesaria por exponer un problema habitual en la sociedad occidental y tratarlo con seriedad y crudeza, también lo es porque reinventa el concepto del ritmo de una manera transgresora y muy eficaz. Sin apenas cambios de planos (salvo la vertiginosa escena de la casa de Brandon en la que toda la lentitud de planos se ve brutalmente alterada por una sucesión de imágenes a toda mecha) Shame te engancha a la pantalla desde casi el primer fotograma, mostrando a un Fassbender que derrocha talento interpretando a su personaje, tan normal pero a la vez tan corroído por dentro, y a una Mulligan increíble en su papel (nada mas que con la escena del restaurante ya merece todo mi respeto). La fotografía, magistral, destaca por el abuso indiscriminado del plano secuencia pero eficaz, (por ejemplo, la escena en la que Brandon sale a correr no nos dice nada en especial, pero es un travelling tan bello e hipnótico que destaca por encima de otros)  y todo ello gracias al apoyo de unas interpretaciones del elenco llenas de energía, y aunque el guión puede cojear en algunos momentos del metraje, en otros nos sorprende con escenas y diálogos realmente conmovedores. La recomiendo, merece la pena ver, y si la empiezas y no te gusta espera al menos a la escena de la canción en el restaurante, es de lo más bonito que he visto y escuchado en una película.

Crítica de: Al otro lado

Breve ficha: 

Título original: Auf der anderen Seite (The Edge of Heaven)

Título en castellano: Al otro lado

Año: 2007

País: Alemania - Turquía

Dirección: Fatih Akin

Guión: Fatih Akin

Reparto: Nurgül Yesilçay (Gül) Baki Davrak (Nejat Aksu) Tuncel Kurtiz (Ali Aksu)

Vista en: Versión original subtitulada

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Ambientada en Alemania y Turquía. Una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes ponen en contacto las frágiles vidas de seis personas que sólo buscan el perdón y la reconciliación. Nejat (Baki Davrak) no aprueba la relación que su padre (Tuncel Kurtiz), un pensionista, mantiene con la prostituta Yeter (Nursel Köse). Pero cambia de opinión cuando se entera de que la mujer manda dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. La inesperada muerte de Yeter distancia al hijo y al padre. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten, la hija de Yeter, pero la chica es una activista política que, huyendo de la policía turca, se ha ido a Alemania...

Crítica: No termino de acostumbrarme al cine de Akin, ya me pasó con Contra la pared y me vuelve a pasar con Al otro lado. No me gusta la manera de narrar, no me atrae la manera en la que se expresa, y eso que las historias que escribe derrochan drama por los cuatro costados, pero creo que la ausencia de ritmo le resta dinamismo a la película y la hace aburrida. Al estar dividida en varias partes con distintas subtramas, el realizador consigue hacer que las historias tengan menor o mayor recepción por parte del espectador, y tras un buen comienzo, creo que en la segunda parte la historia decae por completo, añadiendo al drama una historia de amor que creo que no pega en absoluto y dinamita por completo la película, por no hablar de una tercera parte aburrida y que se estanca en el desenlace. El reparto trabaja muy bien, destacando a una magistral Nurgül Yesilçay, no obstante creo que la construcción de los personajes, aunque es buena, carece de realismo, pues el personaje de Baki Davrak se deja guiar demasiado por sus sentimientos, por lo que sus apariciones restan veracidad a la historia. no es mala película, esta rodada con maestría y profesionalidad, pero ni me ha llenado, ni me ha llegado y en pocos momentos me he llegado a creer la historia.

Crítica de: [•REC]³ Génesis

Breve ficha: 

Título original: [•REC]³ Génesis

Título en castellano: [•REC]³ Génesis

Año: 2012

País: España

Dirección: Paco Plaza

Guión: Paco Plaza, Luis Berdejo

Reparto: Leticia Dolera (Clara) Diego Martín (Koldo) 

Vista en: Versión original


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Koldo y Clara, que están hechos el uno para el otro, están a punto de casarse rodeados de familiares y amigos. Pero sobre ellos se cierne una negra sombra capaz de desencadenar una situación infernal precisamente el día de su boda. Precuela de la saga de terror [•REC]. 

Crítica: Precuela de la magistral [•REC] aunque no esta a la altura de ella, es mas, es muy distinta a cualquiera de las dos anteriores. La primera diferencia y la más notoria es que a mitad de la película se pierde la visión subjetiva que teníamos en las dos películas anteriores, pues el punto de vista pasa a ser objetivo, por lo que se pierde la magia que la saga tenía. Hay que destacar que esta tercera entrega ya no está dirigida por Balagueró y por Plaza, pues solo el segundo es el encargado de llevar a cabo el proyecto, y tal vez por eso le ha dado una visión diferente. En dos partes claramente diferenciadas, en la primera asistimos atónitos a una masacre vírica, con personajes entrañables (genial Jhonny Esponja o el Inspector de la SGAE) que nos hacen soltar algunas carcajadas durante el metraje, pero en la segunda todo lo visto se desmorona, aunque se resuelve con eficacia, pues la cinta sigue manteniendo la intriga y el terror, (aunque el realismo que el maquillaje le daba a los infectados en la visión subjetiva se pierde en la segunda parte, y eso que el maquillaje y la escenografía están muy bien cuidados). No aterroriza tanto como la primera, es mas, los sustos escasean, y algunas relaciones entre los personajes (como la de Atún con el primo de Koldo) están muy forzadas, no obstante se disfruta viéndola, mas por diversión que por terror, pues Plaza ha mezclado un poco de Tarantino y de Rodríguez con grandes clásicos pop típicos de boda que hacen que el visionado sea muy entretenido. Buen trabajo de Dolera y gran desenlace, creo que el guión sabe encaminar muy bien tanto la trama de la película  como sabe encaminar la película hacia la primera parte de la saga. Punto extra por el temazo de Iván Ferreiro en los créditos.

Crítica de: Bypass

Breve ficha: 

Título original: Bypass

Título en castellano: Bypass

Año: 2012

País: España

Dirección: Aitor Mazo, Patxo Tellería

Guión: Patxo Tellería

Reparto: Gorka Otxoa (Xabi) Sara Cózar, Bárbara Goenaga, Mikel Losada, Itziar Atienza, Aitor Mazo

Vista en: Doblada al castellano


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Un economista vasco (Gorka Ochoa) afincado en Barcelona se ve envuelto en un difícil dilema sentimental entre su novia catalana (Bárbara Goenaga), que está embarazada, y una amiga de la infancia (Sara Cozar), enferma del corazón, a la que se declaró por compasión convencido de que se iba a morir. El problema surge cuando la enferma se recupera milagrosamente y él se ve obligado a fingir que la ama.

Crítica: Traspiés total de Mazo y Tellería en esta fallida comedia. La idea es potencialmente atractiva y no se aprovecha con un humor mas ácido las situaciones que dicho planteamiento ofrece, y las subtramas que buscan dar más dinamismo al asunto carecen de espíritu y fuerza. Tal vez el gran fallo ha sido verla doblada, pues el doblaje es malísimo, ya que no adapta los diálogos al movimiento de la boca, y la sensación de falsedad cuando hablan los actores hacer que se evapore toda la magia de las interpretaciones, por ello mi juicio igual es injusto, y en euskera es posible que la cinta tenga más fuerza y gracia. La película cuenta con varios gags eficientes, pero solo logra desplegarte un par de tímidas sonrisas durante hora y media. Eficiente Gorka Otxoa, pero muy lejos de su mejor versión. La película además mete planos que sobran (El de las cervezas, por ejemplo) y añadir paja a la trama hace que el ritmo decaiga y que se haga algo pesada. 

Crítica de: Ispansi (¡Españoles!)

Breve ficha: 

Título original: Ispansi (¡Españoles!)

Título en castellano: Ispansi (¡Españoles!)

Año: 2011

País: España

Dirección: Carlos Iglesias

Guión: Carlos Iglesias

Reparto: Carlos Iglesias (Álvaro) Esther Regina (Paula) Isabel Blanco (Rosario)

Vista en: Versión Original


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Poco después de estallar la Guerra Civil española, la República envió a 3.000 niños a Rusia para protegerlos de los bombardeos de los nacionales. Los primeros en salir fueron los niños de los orfanatos. Beatriz, hija de una acaudalada familia de derechas, cuyo padre y hermano eran falangistas, se quedó embarazada de un hombre que se negó a casarse con ella y decidió ocultar a su hijo en un orfanato de Madrid. Al enterarse del inminente viaje del niño a Rusia, roba los documentos de identidad de una republicana muerta (Paula) y se ofrece como voluntaria para cuidar a los niños. Emprenderá así un viaje terrible, rodeada de enemigos, y a miles de kilómetros de su país y de su mundo. En junio del 41, Hitler invadió Rusia. La continua llegada de tropas de refresco para la defensa de Moscú entorpece una y otra vez el viaje de los españoles. En una de estas paradas se les une Álvaro, un comisario político del Partido Comunista de España.

Crítica: El argumento central es potencialmente atractivo, e Iglesias cuenta con muy buenos medios técnicos para filmar la película, ya que el trabajo de producción  es muy bueno, así como la escenografía de la película, tal vez lo mejor del filme. La voz en off del mismo Iglesias (que dirige, escribe y protagoniza) sabe llevar por bueno camino la línea argumental, y justifica de una manera notable las abundantes elipsis temporales que se muestran en la cinta, pero todo ello se viene abajo con el trabajo del equipo artístico, ya que las interpretaciones son bastante pobres y los personajes pierden veracidad. Algunas subtramas están metidas con calzador, como la del la División Azul en el bosque, y aunque la película no se hace larga, con el flashback del personaje de Paula el ritmo decae, demasiado largo para mi gusto. Se deja ver, aunque la historia, al fin y al cabo, no cuenta nada sobre los exiliados españoles tras la guerra civil que no se sepa.

Criítica de: Masacre: ven y mira

Breve ficha:

Título original: Idi i Smotri

Título en castellano: Masacre: Ven y mira

Año: 1985

País: URSS

Dirección: Elem Klimov

Guión: Elem Klimov, Ales Adamovich

Reparto: Alekxey kravchenko (Floyra gaishun) Olga Mironova (Glasha)

Vista en: versión original. Subtítulos Castellano


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Película de encargo para celebrar el cuarenta aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial, relata a través de los ojos de un niño progresivamente endurecido por el sufrimiento, la matanza sistemática de los habitantes de las aldeas bielorrusas durante la guerra. (FILMAFFINITY)

Crítica: La Unión Soviética pegaba sus últimos coletazos cuando se le encargó a Klimov hacer una película para rememorar el aniversario de la victoria aliada durante la II Guerra Mundial, y aunque el bloque comunista estaba a punto de desmoronarse, ante los ojos del mundo se presentaba esta joya, en la que se demuestra una vez más que los cineastas soviéticos supieron aprovechar con creces y con aptitudes la rica herencia que les habían dejado los grandes maestros compatriotas de principios del siglo XX. Klimov filma con maestría este desgarrador drama, en el que un joven bielorruso abandona su casa para defender su país. El metraje, va de menos a mas, situándonos primero en contexto, viendo como el joven Floyra se las idea para poder formar parte del frente, y luego mostrándonos como poco a poco pasa a formar parte de la locura que es la guerra. El poder visual de la fotografía es estremecedor, sobre todo por la abundancia de largos planos subjetivos y de movimientos de steady que te adentran de lleno en la escena, y la escenografía está muy bien cuidada. Kravchenko sabe mostrar sus miedos y temores con una simple mirada, bien de impotencia y de desesperación, y la evolución de su personaje esta realizada con maestría. Tremenda la secuencia final del granero, sobre todo porque sabe mostrar la crudeza del ser humano sin enseñarnos imágenes desagradables. Muy buen epílogo, tal vez el ritmo decae al principio, no obstante es una película sobre la II Guerra Mundial y sobre las masacres generadas por los nazis muy recomendable.

Crítica de: Lo imposible

Breve ficha:

 Título original: The Impossible

Título en castellano: Lo imposible

Año: 2012

País: España

Dirección: J.A. Bayona

Guión: Sergio G. Sánchez

Reparto: Naomi Watts (María) Ewan McGregor (Henry) Tom Holland (Lucas)

Vista en: Doblada al castellano.



Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): María (Naomi Watts), Henry (Ewan McGregor) y sus tres hijos pasan las vacaciones de invierno en Tailandia. Una mañana, mientras se encuentran en la piscina, un terrible rugido emerge del centro de la tierra. María se queda paralizada por el miedo, al ver cómo un inmenso muro de agua oscura avanza por los jardines del hotel hacia ella. Largometraje sobre el tsunami que azotó el sudeste asiático en 2004.

Crítica: Sin duda alguna, la película española del año 2012, no solo por haber roto todas las previsiones en su primer fin de semana en taquilla tras su estreno, sino por ser, probablemente una de las mejores películas sobre catástrofes naturales rodadas jamás. Tras una breve introducción en la que podemos ver cual es el rol de cada miembro de la familia así como el poder adquisitivo de los miembros, Bayona nos deleita con una de las secuencias mas impactantes de los últimos años. La recreación del tsunami es descomunal, realizada con maestría, salvaje, visceral, y que te mantiene en tensión en la butaca mientras ves como los protagonistas luchan en vano con todas sus fuerzas contra las olas que devastaron en 2004 las costas del Índico. El realizador, consciente de que el listón de la película está en lo más alto, consigue mantener la atención del espectador centrándose en el drama que surge tras la calma posterior a la tormenta, buscando la lágrima fácil a través de gestos de solidaridad y, sobre todo, haciéndonos ver que no hubo piedad ese día para nadie, independientemente del sexo, la raza, la religión o la edad. El ritmo es magnífico, los cien minutos de metraje parecen escasos, muy buen trabajo de maquillaje y de escenografía (muy buena recreación de la destrucción generada por la ola) y fotografía espectacular, mención especial a movimientos de cámara torpes y rápidos para destacar el nerviosismo de las personas que buscan desesperadas, lejos de casa, a los seres queridos que el mar ha arrastrado, y unos tremendos planos de grúa que muestran la inmensidad del mar, capaz de arrebatártelo todo en apenas unos segundos. Aunque McGregor tal vez puede dar de sí, Watts lo borda, y atención a Tom Holland, el mayor de los hijos del matrimonio, pues se hace con la película en cada plano que aparece. Puede que tenga algunas escenas fallidas, en las que tanta humanidad parece no ser creíble, pero se compensa con otras que rebosan magia y con otras que te hacen ver que no hay nada que infunda mas respeto que el poder de la naturaleza. Muy fallido que la hayan vendido como una historia real antes de empezar, muy muy fallido.

Crítica de: Moneyball: Rompiendo las reglas

Breve ficha:

Título original: Moneyball

Título en castellano: Moneyball: Rompiendo las reglas

Año: 2011

País: Estados Unidos

Dirección: Bennett Miller

Guión: Aaron Sorkin, Steven Zaillian

Reparto: Brad Pitt (Billy Beane) Jonah Hill (Peter Brand) Philip Seymour Hoffman (Art Howe)


Vista en: Versión original. Subtítulos castellano.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Moneyball cuenta la historia de Billy Beane (Brad Pitt) durante el año 2001, director general de los Atléticos de Oakland (béisbol), que se hizo famoso por conseguir grandes éxitos utilizando su método "Moneyball", concepto que implica construir un equipo competitivo con recursos económicos inferiores a la mayoría de los equipos en las Grandes Ligas, y empleando métodos estadísticos por ordenador para organizar a sus jugadores.


Crítica: Fundamental tener unas nociones básicas de Béisbol para poder disfrutar de la película íntegramente y meterse de lleno en la cinta, no obstante, no es necesario todo esto para disfrutar de este film, pues aunque el deporte tiene una importancia primordial sobre la línea argumental, la trama se desvía hacia los métodos que emplean los protagonistas para crear un equipo ganador sin grandes medios económicos, o al menos no tan grandes como el resto de rivales. Miller dirige con maestría este drama deportivo, en el que ambos protagonistas deslumbran con unas magníficas interpretaciones, destacando por encima de un sensacional Pitt, un convincente Hill que abandona la comedia y nos asombra haciendo un papel muy alejado del de gordito gracioso al que nos tiene acostumbrado (nominación al Oscar más que justificada) Emocionantes las escenas de los partidos, buena fotografía y una adaptación de guión muy buena, con diálogos deslumbrantes. Genial epílogo con un toque de romanticismo que hace mucho mas veraz todo lo que vemos y, sobre todo, todo lo que han vivido los protagonistas.

Crítica de: La mala educación

Breve ficha:
 

Título original: La mala educación

Título en castellano: La mala educación

Año: 2004

País: España

Dirección: Pedro Almodóvar

Guión: Pedro Almodóvar

Reparto: Gael García Bernal (Juan/Ángel/Zahara) Fele Martínez (Enrique Goded) Daniel Giménez Cacho (Padre Manolo) Lluis Homar (Manuel Berenguer)

Vista en: Castellano

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Dos niños, Ignacio y Enrique, conocen el amor, el cine y el miedo en un colegio religioso a principios de los años 60. El Padre Manolo (Daniel Giménez Cacho), director del centro y profesor de literatura, es testigo y parte de esos descubrimientos. Los tres vuelven a verse entre finales de los 70 y principios de los 80, y ese reencuentro marcará sus vidas. Ignacio, que ahora se llama Ángel (García Bernal), es un travestido que aspira a ser actor. Por su parte, Enrique (Fele Martínez) se ha convertido en un reputado director de cine. Juntos recordarán los oscuros años vividos en la escuela.

Crítica:Almodóvar arriesga con esta delicada propuesta, en la que mezcla, creo que de una gran manera, una historia dentro de otra, y el éxito radica en que lo hace de una manera en la que es muy difícil perderse, y eso que hacer una película en la que se hable de otra película es algo delicado y que pocas veces tiene éxito. De nuevo el director manchego se rodea de lo mejor de cada casa para llevar a cabo el film, con una música del siempre exitoso Albeto Iglesias y de la genial fotografía de Jose Luis Alcaine. La cinta mantiene el rítmo narrativo y muestra de una manera visceral los miedos ocultos del pasado de ambos protagonistas, que se vuelven a mostar para llevar a cabo toda la trama de la película. Lo que más brilla del reparto son las actuaciones de ambos protagonistas, con un genial García Bernal (aunque el acento castellano a veces parece excesivamente falso, y eso que no esta nada forzado (aunque no se si estará doblado o no)) y unos secundarios de lujo, destacando por encima de todos a Boira y a Cámara, en un pequeño pero divertido papel. Buen drama con un aire de intriga muy decente y válido.

Buenísima la conversación de Juan con el travesti imitador de Sara Montiel y, sobre todo, la llamada de Juan a su casa, en la que su tía se queja de la pérdida de su paga. Dos momentos verdaderamente desternillantes.

Crítica de: Kutsidazu bidea, Ixabel (Enséñame el camino, Isabel)

Breve ficha:

Título original: Kutsidazu bidea, Ixabel

Título en castellano: Enséñame el camino, Isabel

Año: 2006

País: España

Dirección: Fernando Bernués, Mireia Gabilondo

Guión: Carlos Zabala, Fernando Bernués, Mireia Gabilondo, Nagore Aranburu

Reparto: Mikel Losada (Juan Martín) Ainere Tolosa (Isabel)

Vista en: Euskera. Subtítulos en castellano

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Juan Martín, un joven de San Sebastián, decide pasar el verano en un caserío perdido en el monte para mejorar su nivel de euskera. En el caserío comprobará que el euskera que manejan sus habitantes difiere bastante del que ha aprendido en las aulas. La familia del caserío la forman el padre, la abuela y cuatro hijos. Por una parte están los problemas lingüisticos y por otra el desconocimiento que tiene el protagonista del entorno rural en el que ha desembarcado. La sensual Ixabel, la hija pequeña de la familia, despertará sentimientos desconocidos hasta ahora para él.

Crítica: Adaptación de la novela escrita por Joxean Sagastizabal. Zabala, Bernués, Gabilondo y Aranburu consiguen transformar la obra en una divertida comedia, en la que un joven donostiarra viaja a un caserío para perfeccionar su euskera. La película atrae y atrapa desde el minuto uno, y aunque a veces las interpretaciones son flojas y las gracias son bastante evidentes, la película consigue engancharte, tal vez por el genial personaje interpretado por Losada o por contar con unas tramas secundarias agradables que le dan ritmo y cuerpo a la cinta. El único problema que le he visto a la cinta, es la dificultad que tiene para ser entendida por personas que desconocen por completo la lengua vasca (la película esta rodada casi al cien por cien en euskera), pues muchos gags se basan en juegos de palabras que los subtítulos no resuelven con tanto éxito. Bonita fotografía y música sencilla pero efectiva.

Crítica de: Blancanieves

 Breve ficha:

Título original: Blancanieves

Título en castellano: Blancanieves

Año: 2012

País: España

Dirección: Pablo Verger

Guión: Pablo Verger

Reparto: Maribel Verdú (Encarna) Macarena García (Carmen) Daniel Giménez Cacho (Antonio Villalta)

Vista en: Muda. Intertítulos en castellano.

Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros.

Crítica: Sin duda alguna, nos encontramos con una de las películas más innovadoras de los últimos años del cine español, no solo por haber sido rodada en blanco y negro y ser muda, sino porque adapta de una manera muy fresca, curiosa y original la historia de Blancanieves. Seguramente a esta producción le pese haber sido estrenada después de la francesa "The Artist", pues la cinta se ha expuesto, seguramente sin quererlo y sin pretenderlo, a ser comparada por la audiencia. Dejando comparaciones fuera, la película de Berger se aferra a su gran guión para convencer al espectador de lo que está viendo, cuenta con una música maravillosa y una fotografía bastante buena (Me encantó el plano de Verdú reflejada en el agua) en la que abunda el uso de planos para narrar la historia sin palabras y con escasos intertítulos, no obstante, la historia, que comienza con mucha fuerza, tiene mucho metraje hasta que llega el desenlace, y en algunos momentos el ritmo flaquea (A pesar de que en algunos momentos llega a ser frenético). Descomunal, como siempre, Maribel Verdú.

Crítica de: La madre

Breve ficha:

Título original: Mat

Título en castellano: La madre

Año: 1926

País: U.R.S.S.

Dirección: Vsevolod Pudovkin

Guión: Nathan Zarkhi

Reparto: Vera Baranovskaya (La madre) Nikolai Batalov (Pavel Vlasov).

Vista en: Muda. Intertítulos en castellano.



Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Adaptación de la novela homónima de Máximo Gorki, está ambientada durante la Revolución rusa de 1905. Narra los trágicos acontecimientos de ese año a través del sufrimiento de una madre por su hijo y su marido, una mujer campesina que tomará conciencia de la lucha social sólo a través del ejemplo y la tragedia.

Crítica: Primer largometraje de uno de los mayores exponentes del cine soviético de los años 20. La madre, junto a El fin de San Petersburgo y Tempestad sobre Asia, forma la "trilogía revolucionaria" que este discípulo de Kulechov filmó. En su debut en el largometraje, el cineasta adapta esta novela en la que, a diferencia de otras películas contemporáneas propias de la Unión Soviética, los protagonistas están bien definidos (En otras producciones, era "el pueblo" el protagonista, aunque siempre existan algunos personajes principales). Hay que situarse en el contexto de la época para comprender bien este tipo de cine, muy propagandístico y en el que el objetivo principal era mostrar la ideología revolucionaria al pueblo soviético. Pudovkin destacó por su poco uso del plano general, y en esta cinta podemos ver como el director, mediante el uso de abundantes planos medios y planos detalles nos muestra el desarrollo de la historia (mención especial al uso metafórico de algunas imágenes para representar el ansia de libertad del protagonista). El ritmo se mantiene durante todo el metraje, tal vez abundan demasiados planos en el último tercio de la película, no obstante hay un equilibro perfecto entre el uso de los intertítulos y las imágenes. La historia es fácil de comprender y potencialmente atractiva, por lo que desde el comienzo la cinta engancha, más si conseguimos ponernos en el punto de vista de la madre, mezcla de arrepentimiento e impotencia mientras ve como se desarrollan los acontecimientos. Buen empleo de la música para potenciar el drama.

Crítica de: Elling

Breve ficha:

Título original: Elling.

Título en castellano: Elling.

Año: 2001.

País: Noruega.

Dirección: Petter Naess.

Guión: Axel Hellstenius.

Reparto: Per Christian Ellefsen (Elling), Sven Nordin (Kjell Bjarne), Jørgen Langhelle (Frank Åsli).

Vista en: Castellano.


Breve Sinopsis (Extraída de la web www.filmaffinity.com): Elling está preparado para volver al "mundo real" tras un periodo de dos años en una clínica psiquiátrica. Tutelado por los servicios sociales noruegos, él y su compañero de habitación, un gigante bonachón llamado Kjell Bjarne, son propuestos para ser reintegrados en la comunidad. La asistencia social les ha concedido un apartamento en Oslo, donde se supone que han de ser capaces de cuidar de sí mismos. Pero, para alguien a quien entrar en un restaurante le resulta tan complicado como atravesar la Antártida, esta nueva vida está llena de obstáculos.


Crítica: Sensacional. Segunda película del director noruego que además le valió una nominación al Oscar. Tal vez el éxito de la película radica en la maravillosa construcción de los personajes principales y en la química que surge entre ellos, tan diferentes, tan inadaptados, pero que se complementan a la perfección. El guión es bastante ingenioso y sabe manejar las distintas subtramas que van surgiendo con éxito, por lo que la película mantiene el ritmo y no se hace pesada en los escasos noventa minutos de duración. La dirección de fotografía es bastante buena, con movimientos de cámara que a veces consiguen situarte en el mundo de los protagonistas, tan difícil y lleno de cosas por descubrir. El equipo artístico cumple con lo establecido, en especial un descomunal Ellefsen que borda la interpretación, regalándonos para siempre el recuerdo de un personaje carismático, aunque al verla doblada el juicio a la interpretación pierde veracidad. Una bonita historia de amistad.

Presentación

¡Hola a todos!

Mi nombre es Manuel, soy estudiante de realización y mi aspiración es poder vivir algún día de mi gran afición: el cine. En este blog, analizaré con frecuencia secuencias cinematográficas para ayudaros a intentar comprender mejor el lenguaje cinematográfico, siempre desde mi punto de vista, que es el de un estudiante de 27 años muy aficionado al cine pero que carece de formación periodística crítica salvo la aprendida en clase, en libros sobre el séptimo arte y después de haber visto más de mil películas.

Así mismo, cada vez que vea una película, haré una crítica constructiva sobre ella a la par que sencilla, con el propósito de que todo aquel que la lea la pueda comprender y analizar, intentando mostrar lo que más me ha gustado, lo que menos, el empleo de recursos cinematográficos, etc.

Os invito a todos a que participéis en el blog, os recuerdo que esto lo hago de manera altruista con ánimo de compartir mis inquietudes, no soy profesional, no soy una personalidad en este mundo, y es más que probable que tanto mis gustos como mi estilo a la hora de escribir o analizar no gusten e incluso sean pobres y ruines para alguien, aceptaré todo tipo de críticas sobre mi trabajo, pero si vas a faltar al respeto te agradecería enormemente que te ahorrases las palabras.

¡Un saludo a todos y gracias!